Selbst in einer verkehrten Welt und einem rein virtuellen Sundance überlebten die Filme

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Und einige von Sundances am meisten geschätzten Wahrheiten erwiesen sich als erfreulich ewig: Wie üblich erwiesen sich die Dokumentarfilme als außergewöhnlich starke Bestandteile des 73-Film-Programms; Kardinalthemen tauchten auf (dieses Jahr im Zusammenhang mit Umwelt- und Technologieproblemen); und ein Publikumsmagnet ist ein Publikumsmagnet – auch wenn er nicht in einem überfüllten Haus, sondern in Tausenden von Einzelhäusern gezeigt wird.

Dieses Jahr ging diese Auszeichnung an „CODA“, eine herzerwärmende Coming-of-Age-Dramedy von Sian Heder, die am Dienstag die Preisverleihung des Festivals für dramatische Features gewann (sie wurde mit dem Publikumspreis, dem Preis der Grand Jury und dem Regiepreis ausgezeichnet) ein besonderes Zitat für seine Ensemblebesetzung). “CODA” ist unglaublich witzig, ergreifend und von verspielten Motown-Musiknummern geprägt und bietet eine Breakout-Performance von Emilia Jones als Abiturientin in Gloucester, Massachusetts. Wie die meisten Kinder in ihrem Alter versucht Jones ‘Charakter, sich inmitten einer liebevollen, aber erdrückenden Familie wiederzufinden. Die Tatsache, dass ihre Eltern und ihr Bruder taub sind – ihr Hörcharakter ist der offizielle Übersetzer der Familie – macht ihren Kampf um Unabhängigkeit spezifischer, aber nicht weniger universell.

Unter der Regie von Heder mit einer gewinnbringenden Kombination aus Aufrichtigkeit und umwerfendem Humor und mit äußerst ansprechenden Auftritten von Jones ‘tauben Co-Stars (Marlee Matlin, Troy Kotsur und Daniel Durant) war „CODA“ ein sofortiger Hit bei Zuschauern, Kritikern und Distributoren: Nach einem Bieterkrieg gewann Apple TV Plus weltweite Rechte für 25 Millionen US-Dollar, ein Sundance-Rekord.

Das Anschauen von „CODA“ verkörperte die pure Freude an der Entdeckung, für die das Festival bekannt geworden ist – und ehrlich gesagt überzeichnet wurde. Als es vorbei war, konnte ich es kaum erwarten, meinem Mann mitzuteilen, dass ich gerade einen wunderbaren Film gesehen hatte. „Ich konnte es sagen“, sagte er trocken und bezog sich auf das Lachen und Schnupfen, das er aus seinem Büro im Obergeschoss gehört hatte. Das Erleben von „CODA“ in Einsamkeit diente als bittersüße Erinnerung daran, dass nichts besser ist, als einen Film mit einer Menge von Menschen zu sehen, die auf ähnliche Weise transportiert werden – der unausgesprochene kollektive Aufzug, der beweist, warum Filme erst dann wirklich fertig sind, wenn sie von einem Publikum gesehen werden. Die Tatsache, dass Apple Wert in dem Film sah, bedeutet jedoch, dass altmodische (wenn auch zugegebenermaßen formelhafte) Werte wie Lachen, Tränen, lebendige Charaktere und bedeutungsvolle emotionale Reisen auch nach einem Jahr nahezu existenzieller Störungen im Film noch eine Rolle spielen.

Ich hatte das gleiche Gefühl wie bei „Mass“, einem erschütternden Drama über zwei Paare, die sich mit einem tragischen Ereignis abfinden, das sie einige Jahre zuvor geteilt hatten. „Mass“ wurde von Fran Kranz geschrieben und inszeniert und enthält ein weiteres atemberaubendes Ensemble von Martha Plimpton, Jason Isaac, Ann Dowd und Reed Birney. Es wird mit einer solchen Nachdenklichkeit und Feinfühligkeit ausgeführt, dass es zunächst einen Moment der Stille erfordert, bevor die Zuschauer es wünschen um die Fragen zu besprechen, die es über Verantwortlichkeit, Heilung und Vergebung aufwirft.

Mit etwas Glück findet „Mass“ das Publikum, das es verdient; In der Zwischenzeit deuteten mehrere andere Akquisitionen auf einen gesunden Markt für visuelles Geschichtenerzählen hin – der, wenn 2020 uns etwas lehrte, nach wie vor relevant ist. Sony Pictures Classics kaufte die Erzählung „Jockey“ (über einen alternden Fahrer, der sich mit beruflichen und persönlichen Herausforderungen auseinandersetzt). Bleecker Street nahm „Together Together“ auf, eine platonisch-romantische Komödie mit Ed Helms als potenziellem Alleinerziehenden, der sich mit ihm anfreundet Schwangerschaftsersatz, und Netflix schnappte sich Rebecca Halls Schwarz-Weiß-Stück „Passing“ über eine Afroamerikanerin, die sich in den 1920er Jahren als Weiße ausgab.

Wie in den vergangenen Jahren waren viele der heißesten Filme bei Sundance Dokumentarfilme: Einer der frühesten Verkäufe des Festivals war Neons Kauf der meisterhaft ausgeführten „Flucht“, in der der Filmemacher Jonas Poher Rasmussen Archivnachrichten, Heimvideos und Animationen verwendet, um das zu dramatisieren sengende Geschichte seines Freundes aus Kindertagen, eines afghanischen Flüchtlings namens Amin. Juno Films nahm “Der schönste Junge der Welt” auf, ein eindringliches, zärtlich trauriges Porträt von Björn Andresen, dessen Leben auf den Kopf gestellt wurde, als er mit 15 Jahren von Luchino Visconti in seiner Adaption von “Tod in Venedig” besetzt wurde.

Sowohl “Flee” als auch “The Most Beautiful Boy in the World” drehen sich um Teenager, die die Stars waren, die beim diesjährigen Sundance groß geschrieben wurden. In einer Reihe von Filmen wurden die Erfahrungen junger Menschen entweder im Nachhinein oder in Echtzeit untersucht. Einer der besten Sachfilme des Festivals in diesem Jahr war „Cusp“, in dem die Filmemacher Isabel Bethencourt und Parker Hill die Zuschauer in das unbeschwerte, chaotische, manchmal schreckliche Leben dreier harter und unbändiger Teenager-Mädchen in einer namenlosen Stadt in Texas eintauchen lassen.

Mädchen sind in „Cusp“ alles andere als Zucker und Gewürze, was ein ungeschminktes Porträt junger Frauen vermittelt, die ihren eigenen, oft selbstzerstörerischen Geräten überlassen sind. Aber obwohl sie relativ richtungslos sind, teilen die Protagonisten von “Cusp” eine erkennbare Art von Unsicherheit und Prahlerei mit den Überholern des spannenden “Try Harder!” Über eine hart umkämpfte High School in San Francisco.

Und trotz völlig unterschiedlicher Erwartungen haben diese akademisch motivierten Schüler mehr als ein wenig mit ihren Kollegen in der Bucht der Oakland High School gemeinsam, wo der Filmemacher Peter Nicks ein Jahr lang Senioren mit Abschluss für seinen intimen, oft herzzerreißenden „Homeroom“ filmte. Wie in seinen vorherigen Filmen – “The Waiting Room” über das Oakland Highland Hospital und “The Force” über die Polizeibehörde der Stadt – zeigt Nicks ein aufmerksames Auge für institutionelle Kulturen und wie sie von den Menschen, die sie brechen, entweder zerbrochen oder verbogen werden können bewohne sie.

“Homeroom” war einer der seltenen Filme beim diesjährigen Sundance, der in der Lage war, die Kataklysmen von 2020 direkt anzuerkennen. Während die meisten Filme vor der Pandemie gedreht worden waren und dem Publikum unerwartet beruhigende Bilder des Lebens vor zwei Metern, Gesichtsmasken und Ellbogenunebenheiten boten, lieferte „Homeroom“ eine quälende Aufzeichnung darüber, wie seine jungen Probanden gezwungen waren, plötzlich zu verarbeiten Trauer und Verlust, zuerst wegen der sich ausbreitenden Krankheit und dann mit dem Töten von George Floyd.

Als unschätzbare Zeitkapsel der Sozialgeschichte und des öffentlichen Gedächtnisses spielte „Homeroom“ wie der ernüchternde zweite Cousin von „Summer of Soul (… oder wenn die Revolution nicht im Fernsehen übertragen werden konnte)“, dem Regiedebüt des Musikers Ahmir „Questlove“ Thompson, der verlorene Aufnahmen des Harlem Cultural Festival von 1969 – damals bekannt als „Black Woodstock“ – ausgräbt und das Ereignis mit erstaunlichem Geschick und Einsicht wieder zum Leben erweckt. (Der Film wurde dieses Jahr verständlicherweise sowohl mit dem Publikum als auch mit dem Dokumentarfilm der Grand Jury ausgezeichnet.)

„Summer of Soul“ ist voller elektrisierender Darbietungen von Stevie Wonder, Mavis Staples und Gladys Knight and the Pips und wird etwas Größeres als ein Konzertfilm. Dank Thompsons Wachsamkeit als Geschichtenerzähler wurde das, was einfach eine angenehme Collage aus Tönen, Bildern und Retro-Chic-Mode gewesen sein könnte, zu einer tiefgreifenden Befragung der Löschung und, wie Festivalleiterin Tabitha Jackson es in ihrer Einführung ausdrückte, zu einem Akt der historischen Reklamation . Wie viele der stärksten Filme bei Sundance in diesem Jahr erinnerte „Summer of Soul“ an die alten Grundlagen, die Filme immer sehenswert gemacht haben. Und es deutete auf eine filmische Zukunft hin, die selbst angesichts des schwierigen vergangenen Jahres außerordentlich hell aussieht.

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